Costa Rica en Lienzo y Papel

Cercano oriente

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Asistente de la Cátedra Francisco Amighetti de Historia del Arte, Escuela de Bellas Artes de la UCR.

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T odo artista genuino es un momento de la historia, y esta le da sus elementos. Así ocurre con Sonia Romero Carmona, cuyo arte exhibe herencias y conjunciones remotas. Por esto, para entender su obra, debemos dar un rodeo por técnicas y escuelas antiguas, pero aún vigentes.

Desde el Renacimiento se ha vuelto un lugar común afirmar que el dibujo ( disegno ) es la madre de las artes plásticas: la pintura, la escultura y la arquitectura.

La línea es la característica principal del dibujo y, para los maestros renacentistas florentinos, era una forma de analizar racionalmente la forma y el espacio. La perspectiva, la anatomía, la proyección de luces y sombras, pudieron desarrollarse durante ese período gracias a las virtudes del disegno .

No es gratuito, por lo tanto, que Accademia dell’Arte del Disegno se llamase la primera academia de arte, fundada en 1563 por Giorgio Vasari (1511-1574).

Línea y color. Tradicionalmente también, se contrapone el color al dibujo. Así lo hizo el Renacimiento, que diferenció entre los florentinos dibujantes y los venecianos coloristas. De igual manera, durante el Barroco, los seguidores del clasicista Nicolas Poussin (1594-1665) se contrapusieron a los seguidores de Peter Paul Rubens (1577-1640).

Los poussinistes pensaban que el dibujo era superior al color pues apelaba a la mente, mientras que el color invocaba, más bien, los sentidos. El bando contrario, los rubénistes , consideraba que las condiciones del color reformulaban los preceptos del Renacimiento porque este dirigía el arte hacia una elite privilegiada.

Esa polémica alcanzó el siglo XIX, cuando Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), representante del bando neoclásico, y Eugène Delacroix (1798-1863), adalid del movimiento romántico, se hicieron eco de las polémicas del siglo XVII.

Delacroix se decantaba por la emoción y el color, mientras que Ingres –pese a tener una actitud ambigua y flirtear con el romanticismo– valoraba más la línea. Recordemos el consejo de Ingres a Edgar Degas (1834-1917): “Dibuje líneas, joven, muchas líneas; dibuje y vuelva a dibujar”.

En parte, por esas razones, en las academias de arte de todo el mundo, el dibujo se ha concebido como la base de la enseñanza y del aprendizaje de cualesquiera técnicas artísticas.

Bierig. Sonia Romero se formó dentro de aquella tradición. Durante su época de formación profesional en la Escuela de Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes, en la Universidad de Costa Rica, Romero asimiló profundamente las enseñanzas del profesor que la marcó como artista: Alexander Bierig.

Ese minucioso artista alemán era conocido en especial por sus ilustraciones de insectos publicadas en libros de entomología.

Con Bierig, Sonia Romero aprendió el difícil oficio. La enseñanza con ese maestro tudesco significaba tres años de análisis geométrico de la figura, y otros tantos de dibujo al natural con modelo. Sonia logró entonces un conocimiento seguro de la forma y del volumen, y de la manera en la que la luz reconfigura los perfiles de los seres.

Sus dibujos exhiben diferentes técnicas y no siempre carecen de color; pero el volumen es claramente perceptible. De este modo, la página blanca –la superficie de trabajo de un dibujante– se vuelve un espacio contendor y tridimensional. Lo es a pesar de que, además de la figura misma, no suele haber una indicación del ambiente donde el modelo se encuentra.

Figura humana. Sonia Romero muestra una preferencia por el dibujo de la figura humana, particularmente de la femenina. Por otro lado, sus mujeres suelen poseer abundosas carnes y vivir sumidas en un mundo interno.

En Romero es admirable la representación de las cualidades superficiales de la piel y de las telas. La piel se tensa en relación con los movimientos de los miembros. El peso de la caída de los tejidos y las diferentes texturas también se diferencian claramente.

Hoy tenemos ante nosotros el Retrato de Shihiro Tanaka , obra de acuarela y lápiz producida en el 2001 (76,5 x 56,5 cm). La particularidad técnica de esta obra está en el uso de la acuarela. Se la combinó con el dibujo, lo cual es ya una novedad; pero, además, en contraste con la práctica nacional típica, Romero utilizó la acuarela con mayores empastes, sin dejar que el agua diluya hasta el extremo los pigmentos.

El resultado de ese procedimiento es una pintura más densa, cuyo color posee una intensidad casi desconocida en nuestro país.

Japonerías. La influencia del Japón nos pone en contacto con otra tradición de la historia del arte. Desde el decenio de 1860, las xilografías japonesas ( ukiyo-e ) se convirtieron en fuente de inspiración para muchos pintores europeos.

A esos artistas los impresionaron la falta de perspectiva, la luz sin sombras, las áreas planas de colores vibrantes, y la libertad de composición de los grabadores nipones.

Tal influencia llegó hasta Costa Rica y, por ejemplo, dejó una marca importante en la obra de Francisco Amighetti.

Sin embargo, en los trabajos de Sonia Romero, el tema japonés se ha adaptado a las convenciones del arte occidental. Diríase que este es así un “cercano” Oriente.

Vemos una mujer con un kimono de color naranja. Ella está frente a una puerta que se entreabre. Esta aparece cubierta de papel de arroz y ocupa casi todo el espacio disponible en el lado derecho del cuadro.

La mujer está representada de tres cuartos, y su mirada se pierde más allá de los bordes del marco, sin afrontarnos directamente.

A través de una abertura vemos las formas de un pequeño bosque que se extiende allende los límites de la habitación. Dada la carencia de detalles en la escena general, toda nuestra atención se centra en el rostro, tradicionalmente el centro espiritual del retrato.